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日志

 
 

田中一光。  

2011-06-10 08:38:27|  分类: ■设计 大师 |  标签: |举报 |字号 订阅

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本文转载自│Icê Blüe│《田中一光。》
设计的觉醒。
 
田中一光。 - │Icê Blüe│ - ∑xtent°∧rt,2011
 
《纹样美学》
       我有一本叫做《纹典》的书,由和纸穿以紫色的线绳,有着如日本传统古书一般的气质。书中满满地排列着大约五千种黑底白花的纹样。出自昭和初期的这本书其实年代算不上久远,十几年前我在京都的古书店里发现了它。
我想它有可能是室町时代印染店为了制作纹样而总结的一本目录。这样的纹样后来经过多次的复制,所以现在看来已不再稀奇。但在我买这本《纹典》的时代,它还是很珍贵的东西。当时我和近百名设计人员一起做项目,大家桌挨桌的在一起工作,我已记不清这本书被同事们借去过多少次了,它几乎没有在我的书架上停留过。
这本《纹典》单是随意翻阅,都会感到乐趣无穷,而对于设计师来说,则没有比它更方便的工具了。它介绍了如何将事物抽象化而提取出图形,并囊括了几乎所有的题材。
日本有个词叫“便化”我们这代人在接受美术教育的时候,就是用这个词来指代所有的单纯化和图案化的。简单地说,“便化”就是在反复写生的基础上,提取事物的特征,将它的本质突出地表现。
其实“便化”很像是纹样设计的基本功。我原以为这只是日本人的习惯,可是后来发现欧美人也对这本《纹典》喜爱有加,对那些美丽的纹样赞赏不已。仿佛东西方设计有某种相通的本质正蕴含在这些纹样之中。
纹样的美妙在于它超越了事物具体的形象,而呈现出图案本身纯粹的美。所有圆形和方形的的变化,还有洲滨、鳞片、巴纹(巴纹是一种由逗点或月牙状等图形以圆排列而成的纹样)都是一样,在被赋予的含义之外,它们作为抽象形态还有丰富的几何美感与空间张力。三重格、四重格等以“格”组成的方形结构,或被称为星、曜的这种圆形变化,都是设计过程中最核心的组合元素。
另外,由于纹样自古就渗透在百姓的生活里,所以至今仍受到他们的强烈喜爱。
纹样的题材很多,有花草树木等植物纹样,也有日、月、星、云、波浪、雷电等自然天文现象,有牌坊、铃铛等神佛用具及弓箭等武器,还有斧头、扇子、鼓、笔墨等其他用具。庵、昆虫等题材也常常被涉及,还有瓜类、萝卜、茄子、镰刀和斧子、蜈蚣等。这些东西常常能令人会心一笑,它展现出了健康的平民美感。
由于“没有什么东西是不可以抽象成纹样的”,所以东西方的设计师们对此的创作热情从未停止过。我为江户时代人们的这种活力而感动,不管多么难以处理的题材到了他们手中都被很好地解决了。
纹样之所以美丽,还因为它的构成要数极其简练,既不需要工艺也不需要色彩。色彩是为了在后期完成功能或是表现素材而使用的,可是纹样已经在黑白对比中完成了作者的意图。而渐变色、渗透感、飞白等这些浓淡变化只会让纹样的特性减弱,因此都不是必须的要素。纹样始终是平实的,边框和轮廓达到最强烈的对比效果,完美至极。
纹样涉及所有关于门第、集团的那些题材,但其表现手法不是对原样的完全描摹,而是巧妙地舍弃细枝末节,留下最简单明了的形象。然而,纹样虽然非常简单,但也不能只用“骨架”来概括它。纹样的内部包含了丰富的情感,而轮廓则是对描述对象在精神层面更为深刻的把握。它比严谨的造型更加大胆、肆意地挥洒着想象和机智,这令人感到不可思议的力量,是很难用一句话就概括的。
纹样产生于平安时代的宫廷,那时的贵族们为了区分私家物品,用不同的纹样代表“西园寺家的”、“德大寺家的”。到了武家时代,人们就用纹样代替原先的源平白旗、红旗,成了战场上不可替代的标记。同样,人们也很自然地在旗帜和帷幔上使用简单、明快的图形。纹样一下从平安时期的写实风格中脱离出来,作为一种符号,并逐渐向更为朴素的设计方向演变。
在江户时代,幕藩体制下的纹样还有着世袭的特性,它象征着人们的身份和家世。因为纹样的用途很广,于是被使用到几乎所有的工具、服装和建筑物上,化作一种构思和样式而得到了巨大的发展。与此同时,那些与大名、武士的血统毫无关系的商人、农民、艺人也可以随意地使用纹样。于是,令人难以想象的大量纹样就产生了。
翻阅这本好似日本纹样百科全书的典籍,我们会发现一种有体系的变化。像《纹典》、《纹样帖》这一类的书籍几乎都有不同的主题分类,比如梅花、樱花、桔梗、龙胆等。纵向上根据用途进行了分类,而每个类别中还有横向的变化。比如梅花,就有圆梅、阴梅、剑梅、里梅、梅鹤等不同时期的形态,而樱花、松树、竹子、梧桐等也有这样的变化规律。
再仔细研究一番,我发现这些变化大概有三种规律。
第一是主题本身的变化。以一层或八层的植物种类为例,从正面看、从后面看、从侧面看,或是窥视......不同的观察角度就变化出不同的结果。还有正形和负形的不同也变化出不同的表现。此外还有对比、差异、重叠、聚拢、分散、提升、下降等在设计和修饰上的变化,以及折叠、扭转、连接等手段的变化。
第二是周围轮廓的变化。在圆形、角形、菱形到龟甲形等各种基本的形状下、又有不同的细微差别,例如圆形就又包括从毛圈、线圈、中圈、圆圈、粗圈等这些笔道渐粗的变化。此外,曲线又分朦胧圈、洲滨圈、梅圈等特殊的样式。
第三是变形。日本纹样的独特之处在于它能够和其他纹样排列组合,呈现出一种奇妙的变形图案。虽然人和鱼、人和兽的组合在西欧纹样中也见得到,但梅变鹤、蝶变花的事例却并不多见。虽然随着分家和重组,纹样出现了模仿和融合的迹象。但是江户时代二百五十年的和平生活使得人们又开始大胆地构思、追求纹样的更新变化,也就产生了充满幻想色彩的拟态、变形等手法。
纹样复杂的变化构成,像是使用了现代的电脑模拟器般急剧而成倍地大量增加着。也不知是源自谁的设计,纹样也产生了像汉字左右偏旁那样的排列组合,无论什么主题都可以完美地结合起来。如果没有这样合理的系统,就不会有这般千姿百态的纹样了。
纹样包罗万象的丰富程度、形状角度的变化、几何图形的变化,以及与其他主题结合出现后的变化,以这四个方面的变化再做互相结合,如果用乘法去计算纹样的种类,那一定是个非计算机不能算出的巨大数字吧。这样考虑的话,在这些看似自由、设计大胆的纹样背后,实际上却有一套高明的系统,这的确令人称奇。那么有了这样一个系统作为基础,纹样又是如何在其上体现人情味儿的呢?
由于纹样常作为一种标记,是物品上的标记以及身份和家境的象征,所以江户幕府为了 维护秩序,在这方面是有严格的管理和总结的。可是即便如此,纹样仍然在所到之处散发出它的美丽。在市民和农民们散布的众多样式之外,简单的纹样还因附着材质和加工方法的不同而变得丰富起来。纹样适应着染织、印染、油漆等工艺和金属、陶瓷、石头等材质。比起西洋装饰纹样十分发达的美国阿肯色州和苏格兰佩斯利,日本纹样具有更加强烈的装饰性,也夹杂着更多的人类感性。这也许是因为日本的纹样是人们以风花雪月的视角创造出来的缘故吧。
据说欧洲的徽章由骑士的盾演化而来,所以题材不过是狮子、鹫、剑、皇冠等猛兽、猛禽或武器。从这些东西当中是很难产生优美图案的。那些图案除了表达城主、贵族的权势及威严,就没有其他的了。与此相比,日本的纹样却出现在平安时代优雅王朝推崇的文学修养之中。从和歌中能看到对大自然的观察,人们的心情——亲切、悲哀、喧闹——也都细密地包含在那简单的图案当中了。
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安静的设计。继承与反思
现在,由原研哉主导的“无印良品”已经成为很好的观念传递者,从一个嵌入生活的角度给我们认知日本文化的途径。我接触过的很多年轻人(包括一些设计师)都普遍喜爱日本的设计。其中一些人曾经在欧洲学习、接受了西方的教育,更对日本设计师的作品心怀敬意。这种敬意发自内心,当某个人提及某个产品时,大家会有一种共鸣,急于表达的情绪和心态常常有一点孩子气,很难被掩饰。
 
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反思创意的出处和设计的过程,就像我们用很多时间去认一个汉字,常常会有短暂的迷失感,会觉得这个汉字陌生,甚至会觉得自己不认识这个字,偏旁和构造为什么会这么奇怪呢?我为什么看到这样一个图形而联想到它所对应的事物呢?字看久了会变得陌生,这种感觉的心理学研究,现在也已经成为一个课题。一个碟子和一个杯子的区别在哪里?一个杯子和一个碗的区别又该怎么界定?我们为是么设计这样的用具,人类的祖先是如何应用设计和使用它们的?当我们开始这样思考时,感性的创意就开始了理性解析的旅程。这个过程所代表的意义,和1948年萨缪尔森在他的第一版《经济学》教科书中引入数学作为分析工具一样,具有划时代的意义。
因为发现这种对日本设计共同的喜好,我也时常留意,渐渐的发现,当我们关注自己的需求、关注自己的内心,就会不自觉的被日本的设计所吸引。日本的生活设计,更关注个人的内心感受,特别注重从小处着手,用细节去打动人心。这种对设计细节的追求,成就了日本的工业。上班途中等红灯时,我也常常留心泊在旁边的汽车,虽然我也使用德国车,不得不承认的是与LEXUS在精致细节上的用心相比,同级别的德国车型确实还有不小的差距。日本的设计师在感性上继承了东方的传统,善于从旁观者的目光反观和反思自己的设计,善于从整体上去把握设计的方向。同时,开放的日本也接受了西方的现代科学观念,用现代科学的方法论作为行动的策略,这个方面,他们走在中国的前面。战后短短的几十年中,日本人就用自己设计的工业品征服了世界。现在面临刘易斯拐点而进行产业升级的中国,也将迫切的走向日本曾经走过的这条道路。
 
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罗马俱乐部和布达佩斯国际俱乐部都精英主义色彩强烈,随着全球化的进程,这两个以全球性主题为核心的智囊机构是对“现代性”最苛刻的批评者。上世纪六、七十年代以后,后现代思潮渐成风潮,资源节约和环保主题现在已是商业影响力的重要构成。西方精英主义的这种后现代思潮,与东方的古老文化传统中主张敬畏自然、融入自然的哲学思想暗合,两者碰撞所展现的奇妙的反差,日本比我们更先感受到。日本的主流设计师,倡导用平常的素材进行简单的设计,甚至从现代主义反向的角度切入进去进行创意,通过做减法,进行“负设计”。我想通过《安静的设计》这一主题,逐步探索日本设计这一源流的形成、走向和未来。这对今天的我们,不无借鉴意义。 

现在的中国处在一个转型时期的尴尬的节点上。展现在我们面前的是一幅奇妙的具有反差张力的图景:一方面,国家处于高速的城市化进程当中,部落式的山村在过去的10年中大量消亡,城镇的规模急剧扩大,几乎所有的城镇都变成了建筑工地,但所有的新建筑都是一个面貌,快建设中的城镇布局充满了“炫耀性”的意味。最集中体现在首都北京,充分展现现代性特征的“高、大、新、奇”建筑替代历史建筑成为了首都的新地标,用钢铁构架起来的“鸟巢”、膜结构的“水立方”和非常规的建筑“巨蛋”、“大裤衩”,正在改变全球看待中国的目光。今天的中国,就像一个快速发育中的十八岁少年,正蠢蠢欲动的急于证明自己的长大成人,其中不无“用力过猛”的情况。另一方面,国学和传统文化知识正在成为新的流行风尚,《三字经》再度成为了流行读本。新一代的观念中正在被输入节约、环保这样的观念,但遗憾的是大人们的行动却与此背道而驰,“言传”与“身教”格格不入。

价值标准的重建,一代人的时间恐怕都不够。西方在上世纪80年代开始反思现代性问题,知识分子开始引导和呼吁潮流风尚向后现代转型。1988年1月,75位诺贝尔奖获得者云集巴黎,在会议结束时发表的宣言中写道:“如果人类要在21世纪生存下去,必须回头二千五百年,去吸取孔子的智慧。”20多年以后,在对全球变暖、化石燃料在可测算的年限中即将耗尽等一系列的危机逐步形成共识以后,我们似乎更能理解他们当时的认知。也许是孔子在西方的影响太大了,也许他们要倡导的东方精神,是《周易》、《道德经》建立起来的道家价值观。当西方开始以全球化的眼光看问题时,古老中国哲学家们贡献的“天人合一,体用不二”的方法论成为了最佳的解决方案。

 率性的通过生活用品想象日本设计师的工作心境,我觉得最合适的关键词大概就是“安静”,他们似乎已经去除了浮躁之气,能够静下来,从设计的本来面目出发,以最简单的应用去面对和满足生活的需要。一个被充分证明了聪明才智的民族,经济上已经处于领先地位但资源贫瘠的岛国,似乎特别能理解“够了就好”的意思。“中的精神”在东方文化中的地位如此重要,“中庸”不是“平庸”的意思,“中庸”在设计领域意味着“放与收的平衡”,是对度的一种把握,这种度的把握,在设计中的体现,就是做减法,去芜存菁。能做到不虚张声势,集中注意力关注设计品的应用本质,是被他人认同以后充分自信的一种表现。对很多年轻的设计师而言,做减法要比做加法难得多,缺乏底气的“炫耀性设计”还是一种普遍的现象。

 

安静的设计。田中一光的力量
 

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能剧是日本民族戏剧的第一个剧种,它是由从寺院神社节目助兴表演中脱胎出来的“猿乐能”演变而来,诞生于室町时代(1333~1600),在日本戏剧史上具有重要意义。能剧出场人物较少,以剧情的表演为中心,是一种象征剧。扮演剧中人物的演员都戴假面具,这是能剧区别于其它戏剧的一个重要特征。能剧是从选择面具开始的。演员根据曲目和角色的不同配戴相关的能面具,并按各自的脸型确定所戴面具的位置。能面的种类多种多样,分为人、鬼、畜三大类。不同种类的能面,不仅身份性别各异,且有喜乐哀怒之态,因而戴上能面的演员借助音乐伴奏舞蹈和暗示性的表意动作,就可以充分表达人物的内心世界。
 
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喜怒哀乐通过如此单纯的图形也能表现的淋漓尽致。
 
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寻常的图形,新方式的组合,再加以饱满的色彩,别有洞天。
汉字元素在田中一光的作品中很常见,这一世界上至今还在沿用的象形文字,被田中一光运用的恰到好处。
 
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三宅一生这样谈论田中一光:“我在学习平面设计时,田中一光已经是像神一样存在的人了,他的作品也深深的印在我的心里,难以忘却。在我获得每日设计奖后不久,田中一光便说要我出书,我想我现在是刚刚站在起跑线上,出作品专辑什么的还没想过,但是田中一光却看到了我的发展未来。托田中一光的福,由于专辑的出版,我工作中鲜为人知的一面得到了正确的评价。他不管做什么都非常的认真,要求非常的严厉,这是理所当然的,但他对自己要求更严。一光的价值观从很大的意义上讲可以说是在创造时代。
 
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2002年一月十日晚田中一光因病抢救无效逝世,终年71岁,终身未婚。后人的评价:他开创了一个时代,是他一人的巨臂,让世界知道日本的现代设计。
 
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20世纪80年代,日本的电器在中国是最奢侈的物品了。那个时期,田中一光对中国的平面设计应用也产生了重要的影响,当时大量的出版物还没有使用今天这样的美女头像,在很多杂志的封面中,我们都能看到田中一光的设计观在当时的中国留下的痕迹。
田中一光1930年出生于奈良市,一个世代以“鱼万”为商号的商业之家。他从小就是一个电影迷,十几岁的时候还自己制作过电影海报,这好像是为他在以后在能剧海报设计上奠定了基础。他十六岁的时候考上了京都市立美术专科学校图案专业。十七八岁时又执迷于戏剧、剧团、舞美。他把学业抛开不管,每天啃着杂粮面包,吃着白薯,一直到深夜的忘我排练。1952年的夏天,田中一光丢掉了他毕业后的第一份工作,钟纺公司的图案设计。这一年,东京龟仓雄策和原宏等人在大阪成立了日本宣传美术会(日宣美)。1955年田中一光被推举为日宣美的会员。实际上日宣美第一次展览会上田中一光也应邀提交了作品,但还是落选了。原因很有意思:过于模仿早川良雄。足以见得当时田中一光对早川良雄的崇拜已达到了痴迷的程度。1963年田中一光开始独立,走自己的设计之路。1980年田中一光以“最适合的形态展现产品本质”为指导思想提出无印良品的开发构想。
 

田中一光回顾展。
 
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 完美至极的传统元素表现

        田中一光,1930年出生于奈良市,一个世代以“鱼万”为商号的商业之家。2002年1月10日晚田中一光因病抢救无效逝世,终年71岁,终身未婚。后人的评价:他开创了一个时代,是他一人的巨臂,让世界知道日本的现代设计。

   田中一光从小就是一个电影迷,十几岁的时候还自己制作过电影海报,这好像是为他在以后在戏剧海报设计上奠定了基础。他十六岁的时候考上了京都市立美术专科学校图案专业。十七八岁时又执迷于戏剧、剧团、舞美。他把学业抛开不管,每天啃着杂粮面包,吃着白薯,一直到深夜的忘我排练。1952年的夏天,田中一光丢掉了他毕业后的第一份工作,钟纺公司的图案设计。这一年,东京龟仓雄策和原宏等人在大阪成立了日本宣传美术会(日宣美)。1955年田中一光被推举为日宣美的会员。实际上日宣美第一次展览会上田中一光也应邀提交了作品,但还是落选了。原因很有意思:过于模仿早川良雄。足以见得当时田中一光对早川良雄的崇拜已达到了痴迷的程度。1963年田中一光开始独立,走自己的设计之路。1980年田中一光以“最适合的形态展现产品本质”为指导思想提出无印良品的开发构想。为此田中一光被称为无印良品之父。

   田中一光曾在 "日本之历史" 大型博览会(大阪)、 "海洋文化"博览会(冲绳)中负责整体设计,在日本Seibu艺术博物馆、纽约Cooper协会、洛杉矶文化交流中心和巴黎 Public 博物馆举办过个人展,曾获得华沙国际海报双年展银奖、东京ADC(广告联盟)优秀奖。   田中一光是日本平面设计协会、 AGI( 国际平面设计协会 ) 成员,日本卓有成就的平面设计家,对战后日本平面设计的发展有很大贡献,在世界平面设计界中,占有相当的地位。他把现代设计观念揉和到日本传统艺术中,作品带有明显的个性:优雅、素净和单纯,富有一定的表现主义色彩,设计语言简洁洗练、意境清新、形式优美,在融合东西方传统美学观念与东西方文化特征之间,有独到的思路与手法,以其独特的表现形式和视觉语言,以及鲜明的个性,在日本设计界掀起了一场对传统精神的再创造运动。

   著名时装设计师三宅一生这样谈论田中一光:“我在学习平面设计时,田中一光已经是像神一样存在的人了,他的作品也深深的印在我的心里,难以忘却。在我获得每日设计奖后不久,田中一光便说要我出书,我想我现在是刚刚站在起跑线上,出作品专辑什么的还没想过,但是田中一光却看到了我的发展未来。托田中一光的福,由于专辑的出版,我工作中鲜为人知的一面得到了正确的评价。他不管做什么都非常的认真,要求非常的严厉,这是理所当然的,但他对自己要求更严。一光的价值观从很大的意义上讲可以说是在创造时代。   

1930 年生于日本。1950 年毕业于日本京都美术学院,后与人合作创办日本设计中心。1960 年成为该中心的艺术指导。1963 年成立了田中一光设计工作室。 

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